Ivorypress

Ubicada en la calle Comandante Zorita #46 se encuentra el edificio Ivorypress, un lugar de arte abierto para exposiciones, conferencias y una librería. La de este mes se titula "Museos en Blanco" de José Manuel Ballester. Pintor y fotógrafo egresado de la Universidad Complutense, con premio Nacional de Fotografía, autor de las exposiciones Habitación 523, Fervor de Metrópolis y La Abstracción en la Realidad, integrante de las exposiciones colectivas en las ferias ARCO, Art Chicago, Art Forum Alemania, Paris Photo y Art Miami, entre otras muchas, trae ahora una nueva idea revolucionaria. Desafortunadamente la exposición acabó el 7 de noviembre, por lo que ya no es posible acudir.

El artista trabaja principalmente con fotografía; sin embargo, también tiene pinturas, dibujos y esculturas. Su exposición se basa en la idea de vaciar los museos, tanto los físicos como los museos que tenemos en la mente. Ya que los museos no son nada más que un contenedor del pasado. Y con las nuevas tecnologías y la nueva cultura, ya no es necesario estar en la misma realidad para poder apreciar las ideas que se tratan de representar.

Afirma que los museos del futuro deberán entender el arte de otra manera, adaptarse a la nueva era digital.

A continuación unas imágenes tomadas de la página principal de Ivorypress, ya que no estaba permitido tomar fotos en la exposición. 

La pieza que más me gustó fue ésta, porque muestra la antigüedad o el descuido que ha tenido la gente a la hora de mantener estos lugares. También hace reflexión a nuestras mentes, representando una que no es capaz de tener sus recuerdos bien materializados, sino que son vagos y desordenados, lúgubres, sin importancia. 

Para más información sobre el artista y su exposición, se puede visitar la página de Ivorypress. Anexo un video con información complementaria. 

Clase N° 23: Libro de Color

Y comienza el cierre del curso. Hoy fue el primer día de la evaluación final, empezamos por el libro de color. Ese libro que nos ha traído locos desde que fue encargado. Hoy fue la valoración de los libros de aquellos que estuvieron desde el inicio del curso. Fueron pocos pero interesantes. Ahora tengo la mente más abierta que antes para crear y no repetir cosas en mi libro. 

Muchos eran buenos, otros no tanto, otros prefiero no decir nada. Pero debo decir que la clase está repleta de verdaderos artistas. Al siguiente día será la evaluación de los libros que faltan. Trabajaré duro para terminar el mío. Espero que sea tan bueno como los demás. 

Foto del cielo hoy en Aranjuez.

Clase N° 22: Artistas

El día de hoy, al ser una de las últimas clases teóricas que tendremos. La profesora se ha dedicado a explicarnos un par de cosas acerca de la forma de evaluación final. La nota final tomará en consideración el libro de color, la asistencia a clase, el blog, la presentación de el color, el examen, el análisis del libro de bibliografía y las seis visitas a exposiciones. Si al final de promediar estas notas tu resultado no te convence, existe la posibilidad de hacer un examen teórico de todo el contenido en enero. Dicho examen podrá subir o bajar tu nota final.

El resto del tiempo lo dedicamos a una lista de 100 artistas que debes conocer. Por escasez de tiempo sólo pudimos ver 43. Y son los siguientes:

1. Isamu Noguchi
2. Marisa González
3. Duchamp
4. Joseph Beuys
5. Louise Bourgeis
6. Lucio Fontana
7. Mathew Barney
8. Sherrie Levine
9. Takashi Murakami
10. Rachel Whiteread
11. Carmen Calvo
12. Hernández Pijuan
13. Marina Abramović
14. Sol Lewitt
15. Isidoro Valcarcel
16. Agnes Martin
17. Gordon Matta-Clark
18. Hanne Darboven
19. Antonio Abad
20. Marina Núñez
21. Zhang Huan
22. Ignasi Aballí
23. Mariko Mori
24. Jaume Plensa
25. Cristina García Rodero
26. Daniel Canogor
27. Eulalia Valdosera
28. Laura Torrado
29. Pablo Genovés
30. Isabel Muñoz
31. Santiago Sierra
32. Meret Oppenheim
33. Tomás García Asensio
34. AES + F
35. Yayoi Kusama
36. Ana Laura Alaéz
37. Miss Van
38. Fontacuberta
39. Kara Walker
40. Rafael Lozano-Hemer
41. Tacita Dean
42. Mark Ryden
43. Elena Asins

Clase N° 21: Iluminación #2

Las dos clases de hoy fueron dedicadas nuevamente a la fotografía en el aula de plató. Para aquellos que desearan participar otra vez o para quienes no pudieron por falta de material, nos reunimos y creamos, esta vez sin ayuda de la profesora, obras con luz. Como es de suponer, no salieron tan bien, pero hicimos nuestro mejor esfuerzo y aquí están los resultados.

Clase N° 20: Iluminación #1 Inicio

El día de hoy nos reunimos en el salón plató para iniciar con las prácticas de iluminación. La idea era crear con luces en total oscuridad formas y figuras que quedarían plasmadas por medio de fotografías.

Para poder realizar la actividad y que las fotos quedarán de la mejor manera, debíamos contar con una cámara a la cual se le pudiera modificar la sensibilidad para captar imágenes, el diafragma y la velocidad de obturación, linternas de distintos colores, un fondo negro y mucha oscuridad. De tal forma que al momento de mover las luces de la linterna sobre el fondo negro, la cámara pudiese tomar ese movimiento causando así figuras con las luces.

La sensibilidad con que se toman las fotos está representada por las letras ISO, comienza desde el 50 y va aumentando el doble, es decir 100, 200, 400, 800, y así sucesivamente. Mientras mayor sea el número, más es la sensibilidad que tiene a la luz pero capta con menos calidad los objetos. 

El diafragma, representado con la letra F, es la capacidad de captar la profundidad de campo, o sea enfocar tanto el fondo como el objeto a primer plano. Se suele ver en las cámaras como unas pequeñas placas que se van cerrando como el iris de un ojo. Mientras estén más cerradas, mejor será el enfoque. 

Por otro lado, la velocidad de obturación corresponde a la letra B y se refiere a la velocidad o el periodo de tiempo en el que se mantiene abierto el obturador para tomar la fotografía.

Era muy importante que la cámara se encontrara en modo manual, ya que en caso contrario al estar en total oscuridad, el flash se dispararía y arruinaría la toma. También se podían tomar fotos con una aplicación para celular que permite modificar todos los aspectos anteriores. La recomendada por la profesora es la app Cámara FV-5. 

Para este ejercicio el diafragma debía estar entre 5 con 6 y 8. El ISO en 100 o más si era necesario. Desgraciadamente no cuento con una cámara ni un celular que me permitiesen hacer esas tomas. Al ser muchos en mi mismo estado, nos reunimos en grupos para poder trabajar. Sin embargo, mi grupo no pudo configurar correctamente la cámara y no logramos hacer nada. La próxima clase tomaremos las fotos. Mientras tanto, aprendimos los procedimientos para trabajar. Uno de ellos era iluminar el fondo, de tal forma que se viera la silueta de la persona. Otra era iluminar directamente a la persona, captando las imágenes de cuando se movía para poder tomar en una sola foto muchas poses. La última era contornear a la persona con la linterna enviando la luz hacia la cámara y haciendo figuras o escribiendo con la luz.

He aquí unas cuantas fotos de las tomas, no es precisamente como debe quedar pero es una parte.

Clase N° 19: Tamaño, Formato y Marco

Como continuación de las dos horas de clase, el viernes pasado abarcó dos temas de los cuales uno de era el tamaño, el formato y el marco.

Comenzamos clasificando las obras artísticas, pueden ser por dos categorías: según las características físicas y según su función. Posteriormente pasamos al análisis formal de la obra artística, que cubre aproximadamente los mismos temas que hemos visto a lo largo del cuatrimestre, es decir, iconicidad, composición, color, textura, forma, iluminación, tamaño, formato y marco.

Nos adentramos más a estos últimos conceptos y les damos un significado.

1.- Tamaño: son las medidas que abarca una obra, tanto para pinturas como para esculturas. Se considera todo el espacio físico que abarca. Dependiendo del tamaño puede transmitir ideas concretas e impactar psicológicamente al espectador. Las obras pueden ser más grandes que una persona, del mismo tamaño o más pequeñas. El artista debe tomar en cuenta qué quiere manifestar para escoger el tamaño de la obra. También debe considerar los materiales con los que va a trabajar, si son adecuados y se pueden adaptar al tamaño. 

Cristina Iglesias. Corredor Suspendido.

Christo. Reichstag Envuelto.

Isamu Noguchi. Devanando la Urdimbre.

2.-Formato: es la forma que toma el soporte sobre el cual se encuentra la obra. La mayoría de los soportes ya tienen una forma predeterminada, y con ella un nombre.

Gregory Euclide.

3.-Marco: es aquello que limita la obra con el resto del espacio.

Clase N° 19: Forma #3 Cierre

El viernes pasado la clase giró en torno al tema, aún no concluido, de formas. Recordando las principales formas que existen:

• Esfera
• Fractal
• Parábola
• Hélice
• Espiral
• Ángulos

Y principalmente conociendo artistas que trabajan con las formas, de los cuales presentaré obras a continuación.

Martín Chirino. El Viento.

Matta-Clark. Intersección Cónica 1.

Orlan. Crítica a la cirugía estética.

Nicola Constantino. Chanchobolas.

Ana Laura Alaez. Geométrica Live. 

Yayoi Kusama. Obsesión Infinita.

Andy Goldsworthy. Land Art.

Walter de María. Formas fractales con rayos.

Jorge Mayet. Formas fractales con raíces.

Miguel Ángel Blanco. Biblioteca del bosque.

Esther Ferrer. Pubis femenino.

Javier Vallhonrat. El Espacio Poseído.

Joana Vasconcelos. Piano Dentelle.

Y con esto finalizamos el tema de formas.